viernes, 17 de septiembre de 2021
Música académica y orquestas en el salvador
En estas fechas se da el marco de la separación final del ejército, con la Orquesta Sinfónica, la cual estaba bajo poder del regimiento, dándose con ello el nombre de Orquesta Sinfónica de El Salvador (OSES), dependiendo del poder civil totalmente bajo el auspicio del Ministerio de Educación.
En el año de 1963 se da la llegada del maestro Esteban Servellón a la dirección de la OSES, recién graduado en Italia, donde recibió su formación con el famoso director Igor Markevitch. El maestro Servellón fomenta enormemente la audición de música de compositores nacionales, lo que permitió presentar al público salvadoreño y regional notables figuras del escenario mundial, tales como los famosos violinistas Isaac Stern y Ruggiero Ricci, los famosos pianistas Van Clibburn y Alicia de Larrocha etc., los célebres directores de orquesta Elmer Berstein y José Serebrier, y al chelista Pablo Casals, poniendo al país como destino de grandes músicos y animadores de reconocidos festivales internacionales de música a nivel mundial.
En esta época nacen varias orquestas de múltiples géneros, entre ellas podemos mencionar:
- Orquesta de Lito Barrientos
- Orquesta Internacional Polio
- Marimba Orquesta Atlacatl
Dichas orquestas tuvieron un auge en muchos lugares de la región centroamericana, en especial la Orquesta de Lito Barrientos, esta, cuyo éxito se notaría en países como Colombia y Panamá por desarrollar el ritmo de la cumbia sonidera, mismo que marcí una etapa en el ambiente musical de estos países.
Música prehispánica en el salvador
Antes de la llegada de los españoles, el territorio que hoy en día se conoce como El Salvador era un espacio habitado predominantemente por grupos de habla náhuat conocidos como pipiles. Durante la época prehispánica fue sucesivamente habitado por los pueblos xincas, mayas, lencas y mangues.
Estudios precolombinos dan muestra de la importancia de la música, sobre todo en expresiones rituales en los que se empleaban tambores y trompetas. La musicóloga Maria de Baratta da muestra de la construcción de instrumentos complejos en esa época como el teponahuaste, las flautas fálicas con bola deslizante de Quelepa o la ocarina Tecoaliztli
Un grupo notable de música nativa es talticpac, que significa en castellano “sobre la tierra
Con la venida de los españoles, la música clásica europea y la española se mezclaron con los estilos nativos. Los códigos musicales precolombinos fueron reemplazados por otros, cambiando sus significados, funcionalidad, formas de aprendizaje, transmisión, difusión e intercambio
Una canción nativa muy conocida en El Salvador es "Danza del Teponahuaste", pero a la venida de los españoles tomó el nombre de santo tingo con el fin de seguir adorando a los dioses que los indígenas poseían y lo cual era prohibido por la iglesia católica.
La música en el periodo colonial fue promovida y apoyada por tres poderes:
- Las autoridades indígenas que promovían la transmisión de las tradiciones de una generación a otra.
- La iglesia católica, a través de la música de corte religioso, que no necesariamente debía ser música sacra, sino que alababa o hablaba de Dios.
- Las instancias del Reino de España en las provincias.
En este periodo comienzan a aparecer las primeras bandas de música militares, caracterizadas por la mezcla de elementos propios de la música europea junto a ritmos y construcciones indígenas y africanas, introducida esta última a través de los esclavos. Algunos de los primeros conjuntos de esta época son:
- Conjunto de Pardos del Barrio Veracruz, Sonsonate (1762)
- Conjunto de militares del Guaymoco, Sonsonate (1762)
- Conjunto de mulatos, negros e indios de Santo Thomas Tesaquangos (1768)
- Grupo vocal – instrumental de Santiago Nonualco (1789 - 1802)
la música en el salvador
El Salvador es un país de América Central cuya cultura es una mezcla de mayas, pipiles, españoles y ascendencia africana. El Salvador es pues la sumatoria de rasgos de las diferentes culturas que se han mezclado entre su gente a lo largo de su historia.
En la actualidad, su música incluye cantos religiosos, sobre todo católicos, usados para celebrar la Navidad y otras fiestas, especialmente para conmemorar al santo patrono de una determinada población.
Los estilos populares en El Salvador moderno incluyen:
- Cumbia, hay diversas agrupaciones, ya que este género se vio fuertemente influenciado por la interacción de músicos salvadoreños y colombianos (Cumbia salvadoreña).
- Merengue.
- Salsa, el principal grupo pionero es Salsalvador All Stars.
- Música regional mexicana, la música mexicana es muy aceptada en el país, y hay agrupaciones que incursionan en el subgénero de banda sinaloense, entre las que destacan La Auténtica Banda LL, Banda La Primera, La Auténtica Banda de Plata.
- Pop latino, entre otros.
música en español
Flamenco
Se trata de la música tradicional en nuestro país. Nace al sur de España y está relacionada directamente con la cultura gitana.
Sus raíces se desarrollan gracias al mestizaje cultural de Andalucía, donde destacaron civilizaciones como: oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos y judíos. Todos ellos, propiciaron su distintivo sonido en el que la voz y la guitarra tienen el máximo protagonismo.
Veamos algunos de esos virtuosos artistas que popularizaron la música flamenca desde los bulliciosos tablaos y los pequeños bares andaluces con olor a vino, duende y boquerón : Paco de Lucía, Tomatito, Enrique Morente, Estrella Morente o Diego el Cigala.
Salsa
La salsa surge de la síntesis y combinación de los sonidos cubanos y caribeños, así como del jazz y otros ritmos estadounidenses.
Este tipo de música abarca varios subgéneros y cuenta con estilos diferenciados según el país, podemos notar una clara diferencia entre: Puerto Rico, Venezuela, o Colombia. Pero en todo caso se caracteriza por emplear mucha percusión: maracas, los timbales, el güiro cubano, el cencerro jamaicano o el bongó.
Ahora toma nota de sus principales representantes: Héctor Lavoe, Johnny Pacheco, Rubén Blades o la “reina de la salsa”, Celia Cruz.
Reggaetón
Se originó en Puerto Rico a finales de los años noventa. Está influenciado por el hip hop y la música latinoamericana y caribeña. Emplean ritmos y letras pegadizas y repetitivas, haciendo un sonido muy bailable. Los artistas de este género más conocidos son: Daddy Yankee, Don Omar y Arcángel.
Tango
Si bien se suele asociar a Argentina, lo cierto es que la zona de influencia de este género musical es el Río de la Plata, por lo que involucra también a algunas zonas de Uruguay.
El paso del tiempo fue generando diferentes ramas dando lugar a diferentes etapas históricas: La Guardia Nueva, La Edad de Oro… No obstante, todas sus melodías y letras tienen temas comunes relacionados con los deseos profundos e internos del ser humano.
Las mayores referencias del tango fueron: Carlos Garde, Ignacio Corsini, “La dama del tango”, Mercedes Simone y Libertad Lamarque conocida como “La novia de América”.
Musica Blues
Se caracteriza por tener una estructura de doce compases cuyo origen se remonta a las comunidades afroamericanas de Estados Unidos de principios del siglo XX. Desde entonces se han desarrollado muchos estilos, algunos en pequeñas ciudades del sur de EEUU y otros en grandes ciudades como Chicago o Nueva Orleans.
Dicho tipo de música ha sido la influencia de otros como: el jazz, soul, e incluso el hip hop… Los principales exponentes de dicho género fueron artistas como: B.B. King, Eric Clapton o Stevie Ray Vaughn, entre otros.
música Soul
El Soul es una combinación de ritmos del doo-wop y del Góspel. Se desarrolló en los EEUU a finales de la década de 1950. Mientras el gospel era uno de los tipos de música más alegres, el soul resulta más lento y profundo.
Caracterizado por el uso de las palmas y los movimientos corporales de los cantantes. Además se trata de un tipo de música que suele contar tanto con solistas como con coros.
Algunos de sus intérpretes más populares han sido James Brown, Sam Cooke, Marvin Gaye y la más reciente y legendaria Amy Whinehouse.
Música Jazz
Música Jazz
Nace a finales del siglo XIX en EEUU y resulta uno de los géneros musicales más difíciles de definir ya que cuenta con infinidad de subgéneros. Así pues, el jazz no conforma una identidad tan sólida como el de otros tipos de música. Lo que sí podemos asegurar es que se trata de un estilo musical procedente de la cultura afroamericana que surgió sobre la década de los 20.
Podemos decir que el jazz se caracteriza principalmente por: la improvisación, el tratamiento del ritmo, la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Uno de los músicos más grandes del jazz fue el trompetista Louis Armstrong, pero artistas como Les Paul, Ray Charles o Tito Puente también son conocidos en todo el mundo, así como el archiconocido Frank Sinatra.
Que es música clásica
Música clásica
El inicio de las melodías fue precisamente con este tipo de música. Hoy en día se ha convertido en un clásico entre los clásicos. La trayectoria comenzó en el siglo XI y sigue hasta ahora, pero su periodo más relevante abarca 400 años desde mediados del siglo XVI hasta principios del siglo XX.
Se trata de un género musical basado en las tradiciones musicales litúrgicas y seculares de occidente, especialmente en Europa. Y los intérpretes o autores más relevantes fueron: Wagner, Bach, Mozart, Beethoven y Chopin.
jueves, 16 de septiembre de 2021
¿Cuáles son las letras que representan las notas musicales?
Las notas musicales se representan por las siguientes letras. A esto se le llama cifrado americano y sirve para designar las notas y también los acordes.
¿Y las 12 notas musicales? : El uso de las alteraciones
Por otra parte, las notas musicales tal y como las conocemos no son solo siete sino doce. Para que sean 12 utilizamos las mismas 7 notas que conocemos pero les añadimos delante unos símbolos que se llaman sostenidos o bemoles.
Los 12 sonidos con sostenido
Los 12 sonidos con bemoles
POR QUE EL NOMBRE DE LAS NOTAS MÙSICALES
Las notas musicales son do re mi fa sol la si. Sus nombres tienen un curioso origen y se escriben en el pentagrama según su altura y duración. Estas notas también pueden llevar alteraciones y pueden escribirse en una clave u otra según el instrumento que toques.
1. En primer lugar, Cristo fue bautizado por Juan el Bautista. En el siglo VIII un historiador y monje benedictino llamado Pablo el Diácono, le dedicó los siguientes versos:
Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Fa1. En primer lugar, Cristo fue bautizado por Juan el Bautista. En el siglo VIII un historiador y monje benedictino llamado Pablo el Diácono, le dedicó los siguientes versos:
Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes.
Entonces otro monje y musicólogo llamado Guido de Arezzo tomó las primeras sílabas de este poema: Ut, re, mi, fa, sol, la. Esta era una manera de recordar las notas musicales que aparecían sobre un pentagrama mucho más ancestral que el que tenemos ahora.
Después un señor llamado Anselmo de Flandes cambió las dos iniciales de la última frase para darnos la nota SI, que hasta entonces no se tocaba por ser considerada diabólica.
Ya en el siglo XVII, otro musicólogo italiano llamado Giovanni Battista Doni cambió la sílaba UT por DO. Y así se nos quedaron las notas musicales: li tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes.
- Entonces otro monje y musicólogo llamado Guido de Arezzo tomó las primeras sílabas de este poema: Ut, re, mi, fa, sol, la. Esta era una manera de recordar las notas musicales que aparecían sobre un pentagrama mucho más ancestral que el que tenemos ahora.
- Después un señor llamado Anselmo de Flandes cambió las dos iniciales de la última frase para darnos la nota SI, que hasta entonces no se tocaba por ser considerada diabólica.
- Ya en el siglo XVII, otro musicólogo italiano llamado Giovanni Battista Doni cambió la sílaba UT por DO. Y así se nos quedaron las notas musicales:
Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico
La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante función al utilizarse los pedales.
A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje de otros idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones del habla en los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían acoplar a los diferentes idiomas.
elementos de la música
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos no se hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la música, para formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual, el material acústico experimenta una preparación pre-musical, mediante un proceso de selección y ordenamiento.
La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento que la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un entendimiento general previo, dentro del material acústico para la organización de la música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en ambientes académicos es la que divide la música en melodía, armonía y ritmo.9 La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).
- La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
- La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
- El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
- La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre dos (o más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la historia, destacan principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto, el acento, el marcato y el calderón.
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